Современное кратковременное

Наряду с использованием популярного приема интерпретации классических натюрмортов современные авторы осмысляют творческое наследие, а не только цитируют и актуализируют его.

Тема кратковременности, увядания живого, заняла широкий пласт в классическом искусстве, но и сегодня ее след угадывается в работах современных авторов.

Выраженные в разных формах упоминания о конце жизни существовали еще во времена до нашей эры, но к началу 16 века популярным наследником «Memento Mori» (средневековый жанр искусства, «напоминающий о смерти» и уходящий корнями в античность и ранее христианство) стал живописный жанр обличающий суету снискания земных благ -  «Vanitas». Говоря о натюрморте невозможно обойти его, потому что, так или иначе, сегодня фотографы обращаются к темам времени и временности. 

See more
{dich}Vanitas — это первые «самостоятельные» натюрморты, родившиеся в европейской традиции, «выкристаллизоващиеся» в Нидерландах и Фландрии. Изображенные предметы несут отпечаток былой жизни, однако для верного прочтения картины необходимо понимать их метафорическое значение (в данном случае скорее уместно говорить об эмблематике, поскольку «содержание» картины является изображением понятий).{/dich}

В центре, изначально и в композиционном, в том числе, располагали человеческий череп, бренность и эфемерность бытия также отражали атрибуты власти, музыкальные инструменты, цветы и фрукты, нередко с налетом времени. 

К началу следующего века, когда барочная эстетика набрала силу, череп потеснился и количество «пышно-цветущих» натюрмортов значительно возросло, а затем и вовсе приобрело жизнеутверждающий характер. Значение аллегорического натюрморта изменилось, а авторы выработали новые подходы к теме. Между тем, череп, стоящий в разных культурах на границе миров, связываемый с образами смерти и служивший ритуальным атрибутом, трансформировался в понятный и легкоузнаваемый знак. К 20-му веку накопилось немало подобных примеров, и зритель был знаком с произведениями графики и декоративно-прикладного искусства, в которых фигурировал череп. Позднее, развитие массовой культуры и появление поп-арта, побудило зрителя приобретать тиражируемую эмблему и сегодня сакральное значение растворилось в повседневном репродуцировании.

See more
{dich}Многоуровневая работа сталкивает нас с темой времени, хрупкостью человеческой жизни и балансирует на грани между утраченным и обретенным.{/dich}

Однако мотив эфемерности бытия продолжал увлекать художников и сегодня обнаруживается в тематических выставочных проектах и авторских сериях.

Так, в начале 21 века Virginia Museum of Fine Arts в США организовал выставку «Vanitas: Meditations on Life and Death in Contemporary Art» и выпустил сопровождающую книгу с одноименным названием. Экспозиция была ориентирована на арт-объекты и работу с нетрадиционными материалами.

Zoe Leonard, американский скульптор и фотограф, работающая в разных жанрах и исследующая темы опыта, формирования субъективного восприятия, представила инсталляцию «Strange Fruit» — около трехсот «заштопанных» сухих оболочек фруктов беспорядочно разбросанных по полу. Проект был начат в 1995 году, поначалу, выставлялся без названия и включал меньшее количество «участников». Отказ от консервации экспонатов и наблюдение за блекнущей красотой, переживания от утраты друга (американский художник David Wojnarowicz), способствовали формированию окончательной версии инсталляции. Ее название пришло из песни Billie Holiday — «Strange Fruit» повествующей о линчевании афроамериканцев на юге США. Многоуровневая работа сталкивает нас с темой времени, хрупкостью человеческой жизни и балансирует на грани между утраченным и обретенным.

Yukinori Yanagi, японский художник-концептуалист, выставил одну из характерных работ. Исследуя тему самоидентичности, автор уже более 20 лет создает с «коллегами» интерактивные произведения. Одной из значительных является работа «The World Flag», состоящая из 180 копий национальных флагов, изготовленных из цветного песка, помещенного в пластиковые короба, соединенные трубками. Перемещая песчинки, муравьи нарушали исходную структуру и «размывали» границы между странами, визуализируя, таким образом, глобализацию. Представленная на выставке инсталляция «One Dollar», создана также в соавторстве с муравьями.  В пластиковый бокс была помещена денежная единица, воспроизведенная с помощью трафарета и увеличенная в 6 раз. В ходе выставки, колония муравьев «изрезала» символ экономического могущества США туннелями. Труженики были освобождены, когда изображение было частично разрушено, но не потеряло узнаваемость. Позднее, были созданы подобные работы, в которых банкнота была разделена на 15 сегментов («One Dollar», 15 pieces, 1999) и реорганизована в пирамиду («Dollar Pyramid», 2000), а так же вариации с денежными единицами других стран. Перформативное искусство подобного рода, позволяет зрителю наблюдать за «незаметными силами», разрушающими символы богатства и власти и обесценивающими их значение.

 

Vanitas: Meditations on Life and Death in Contemporary Art Paperback – April 20, 2004

by John B. Ravenal

See more
{dich}Крупномасштабные работы и ролик, воспроизводящий «террор» в замедленном режим позволяют зрителю «войти» в круг существования и ощутить сплавленные воедино красоту и жестокость, созидание и деструкцию.{/dich}

Десятилетие спустя прошла другая значительная выставка — «Vanitas: The Transience of Earthly Pleasures». Британские организаторы — галерея современного искусства All Visual Arts, собрали более 25 именитых авторов, благодаря чему было сформировано объемное представление о современном преломлении темы. Многообразие форм визуального искусства было поддержано использованием разнородных материалов и технологий.

Обложкой для каталога послужила работа «Blow Up No.3» Ori Gersht из серии «Time After Time». Значимым для автора является наблюдение за мировыми событиями и межкультурными отношениями, их связь с историей и разрушительные последствия конфликтов. Стремясь создать эмоциональный резонанс средствами видео и фотографии, он исследует связь между насилием и красотой. В течение двух лет, с 2006-го по 2008-ой года, автор работал над созданием трилогии — «Pomegranate», «Time After Time» и «Falling Bird». За основу были взяты живописные натюрморты именитых художников, воссозданы, а затем разрушены. Буквально. Рассечение пулей граната превращает немного измененный, но все же бытовой "мирный» натюрморт, написанный Juan Sánchez Cotán в начале 17-го века, в кровопролитие, а фазан, почти как у Jean-Siméon Chardin, правдивого мастера 18-го столетия, «освобождается» в падении и, погружаясь в темно-зеркальную воду, сталкивается с собственным отражением "проявляя» границу потустороннего. Henri Fantin-Latour вдохновил автора искусными цветочными композициями из 19-го века на создание проекта «Time After Time», который подобно другим частям трилогии, состоит из фотографий и видеоролика, визуализирующего неуловимый для глаза процесс, в данном случае, уничтожения. Сначала, жизнь замирает — автор замораживает букет жидким азотом, затем, пиротехнические заряды, прикрепленные к листьям и лепесткам, разрывают на части композицию. Вся работа выполнена на высоком техническом уровне — фото серия состоит из «стоп-кадров» двухметрового размера, полученных за 1\6000 секунды, отпечатанных с помощью LVT-технологии (Lihgt Valve Technology- светоклапанная система, использующаяся, например, в современных проекторах, предназначенная для получения хромогенного отпечатка цифровым способом). Так, крупномасштабные работы и ролик, воспроизводящий «террор» в замедленном режим позволяют зрителю «войти» в круг существования и ощутить сплавленные воедино красоту и жестокость, созидание и деструкцию.

See more
{dich}Волшебство, воплощенное в современных неформальных скульптурах, результат панковского подхода к творчеству и экспериментов с нетрадиционными медиа (от найденных объектов до мочи).{/dich}

Vanitas, временность, упадок культуры — эти темы «сквозят» в творчестве Giampaolo Bertozzi и Stefano Dal Monte Casoni уже десятилетия. Более 30 лет даровитые итальянцы совместно создают фантазийные и изобретательные скульптуры. На первый взгляд, мо-жет показаться, что художники используют технику рейди-мейда или ассамбляжа, но в действительности, они говорят на языке керамики. Стремясь освободиться от условностей и стереотипов, сочетая традицию с экспериментами, используя хрупкий, но долговечный материал, они создают поэтические, гротескные работы. Четыре гиперреалистичные композиции были представлены на выставке: красочный букет цветов в вазе, покрытый жуками — «Vaso con mazzo di fiori», поднос с рогатым черепом и нагромождением посуды и пищевых отходов — «Vassoio», груда костей, усыпанная божьими коровками — «Ossobello», электрический стул в натуральную величину, облепленный 150 бабочками — «Sedia elettrica con farfalle». Противопоставляя полет жизни и приспособление для убийства, в частности, сатирически цитируя историю и сталкивая культуры в целом, художники вовлекают зрителя в темы недолговечности и смертности.

Стоит присмотреться к тому, как авторы конституируют реальность, искусственную, парадоксальную, но проникнутую при этом ироничной естественностью, обличающую безрассудное потребление и расточительство ресурсов.

В выставке принял участие еще один эффектный дуэт  — Tim Noble и Sue Webster. Британские художники уже более 15 лет ведут совместную работу, сочетая несочетаемое и создавая искусство из анти-искусства. Волшебство, воплощенное в современных неформальных скульптурах, результат панковского подхода к творчеству и экспериментов с нетрадиционными медиа (от найденных объектов до мочи).

С конца 90х дуэт создает теневые скульптуры из бытового мусора, металлолома, деревянных отходов. Путешествие в романтический мир начинается, когда на композиции падает луч света и абстрактное становится фигуративным. Исследуя идентичность, сексуальность и табу, авторы часто обращаются к автопортретам и личному опыту, создавая при этом остроумные, часто абсурдные и мрачноватые работы.

See more
{dich}Художники не перерабатывают мусор, они создают из него жизнь, трансформируя на глазах у зрителя в отбросы общества, в самом прямом смысле, в прекрасное.{/dich}

«British Wildlife», созданная в 2000 году скульптура посвящена отцу Tim Noble-а и соотносится также с традиционными для британского искусства темами: охота и наблюдение за птицами.

Чучела 46 птиц, 40 млекопитающих животных и 2х рыб, репрезентирующие смерть, символично "оживают» тенями авторов. 

Вторая работа, представленная дуэтом  — «Metal Fucking Rats» (with heart shaped tail, version 2, 2007 год), при свете дня демонстрирует зрителю кучку сваренного металла, которой его уже тоже не удивишь. Но в темноте, направленный луч света проявляет парадоксальную тень совокупляющихся грызунов, чьи хвостики трогательно складываются в форму сердечка.

Художники не перерабатывают мусор, они создают из него жизнь, трансформируя на глазах у зрителя в отбросы общества, в самом прямом смысле, в прекрасное.

Tom Gallant, ценитель викторианской эпохи и мастер «бумажных искусств», в очередной раз предложил зрителю интригующую загадку. Автору близка позиция коллекционера, «собирателя» культуры, потому, спектр тем для исследования так разнообразен. Основываясь на двух видах декоративно-прикладного искусства - оригами и киригами и используя порнографию как медиум, репрезентирующий современную визуальную культуру и социальный феномен, автор создает неоднозначные инсталляции. Экспонировавшаяся на выставке «быстротечности» метровая инсталляция «Rose Window (After Moris)» - образец прекрасного, созданного на основе того, что многие считают отвратительным, ну или, по крайней мере, называют таковым. Зритель оказывается перед искусно вырезанной из бумаги кружевной розой - характерным для готической архитектуры круглым окном и, любуясь, упирается в разгадку, способную радикально изменить отношение к произведению. Демонстрация личного и проявление через сокрытие являются первостепенными аспектами в творчестве автора. Посвящая себя работе с малоисследованной, в отличие от эротики, областью, он создает многоуровневые высказывания, смело и умело эстетизируя то, что одного смущает, другого удовлетворяет, а у третьего, может вызывать отвращение.

See more
{dich}Автор и в других проектах с помощью предметов размышляет о течении времени, естественном разрушении, наследии, а так же откликается на социально-значимые события и изменения в обществе, неизбежно затрагивающие каждого.{/dich}

Еще один взгляд на непреходящие ценности продемонстрировали на выставке «Memento Mori: Contemporary Vanitas» в американской галерее Ann Street Gallery. Пятеро из шести участников осмысляют тему в живописных и коллажных техниках. Justine Reyes представляла фотографию. Она выставила серию натюрмортов «Vanitas», показанную ранее на одноименной персональной выставке. Автор не просто актуализирует западноевропейские предметные постановки, хотя построение натюрморта и весьма традиционно, но включает в композиции безделушки, вещи из прошлого, соединяя личный опыт с маркерами времени. Так, в кадр входят упаковочная пленка и одноразовая посуда, винтажные украшения и керамические фигурки соседствуют с современной утварью, а члены семьи «присутствуют» на чаепитии, смотря с фото. Автор и в других проектах с помощью предметов размышляет о течении времени, естественном разрушении, наследии, а так же откликается на социально-значимые события и изменения в обществе, неизбежно затрагивающие каждого.

Безусловно, и многие другие современные авторы неравнодушны к жанру vanitas и существует ряд других самобытных подходов к интерпретации темы мимолетности жизни,  но это уже отдельный разговор.

 Автор: LITA POLIAKOVA

Share
Наверх