Азамат Ахмадбаев

Санкт Петербург, Россия.

Азамат Ахмадбаев – современный художник, живет и работает в Санкт-Петербурге. За плечами Азамата  - несколько коллективных выставок и арт-проектов, его работы были представлены в России и за границей, в том числе в Tate Britain. Художник работает в одном из интереснейших направлений современного искусства: его творчество сфокусировано на глитч-арте. Автор обращается к приемам абстрактного экспрессионизма и цифрового искусства, в результате чего возникают минималистичные произведения, интересные со стороны ритма, баланса, напряжения цвета и формы. Сейчас искусство Азамата привлекает все больше внимания арт-общественности, у художника часто берут интервью интересные онлайн-издания, российские и зарубежные, например, Austere Mag.

Азамат, расскажите, как вы начинали заниматься современным искусством и глитч-артом? Что послужило отправной точкой для начала творчества?

Понятия «современное искусство», а тем более «глитч-арт» в самом начале моего творчества были абсолютно мне неизвестны и непонятны. Изначально я вел блог с красивыми и интересными картинками зачастую по смыслу далекими от современного искусства, через некоторое время решил выпускать журнал, в рамках которого сумел понять, что такое настоящее современное искусство и каким образом это искусство живет и развивается. Во время работы над одним выпуском журнала, посвященном глитч-арту, я  открыл для себя этот странный, на первый взгляд, стиль. В течение нескольких месяцев я собирал материалы для журнала, общался с художниками и, в конце концов, начал экспериментировать и учиться создавать работы в стиле глитч-арт. Именно этот момент, скорее всего, и является некой отправной точкой для меня и моего творчества. 

Интересно ли вам развиваться в каких-то смежных сферах медиаискусства? Возможно видео-, саунд- или нет-арт?

Безусловно. Мне нравится открывать что-то новое в творчестве, если это сопряжено с тем, что я уже делаю и показываю публике. Главное, чтобы стилистически и идейно это новое не вступало в конфликт с моими принципами.  Не так давно один очень известный галерист настоятельно советовала мне попробовать свои силы в видео-арте, потому что это может дать новый толчок для творчества. Мы долго спорили о роли и влиянии видео-арта лично в моем случае. Мне не хотелось повторять то, что сейчас зачастую можно увидеть в видео-арте. В частности, это касается отечественной сцены  – непонятные проекции с таким же непонятным звукорядом. Лично мне стыдно смотреть на это, так как в мире уже давным-давно существуют работы, созданные такими художниками, как Билл Виола (его творчество, на мой взгляд, является одним из лучших примеров добротной работы в видео-арте), Zimoun (сейчас многие наши художники подражают его творчеству), Yoshihide Sodeoka (прекрасный глитч-арт, художник с не менее прекрасным видео-артом), ну и классик-экспериментатор Нам Джун Пайк (мне кажется, обойти его не сможет никто – будет лишь некое подобие того, что делает он). Эти имена первыми приходят на ум, а художников, которые действительно создают нечто удивительное в видео-арте, саунд-арте и так далее очень много, но всегда приятно видеть что-то новое и свежее. И именно такое новое и свежее, опираясь на наследие уважаемых мной видео-арт художников, и хочется создавать. После разговора с галеристом я решил попробовать себя в видео-арте и в качестве эксперимента занялся созданием первого ролика: придумал видеоряд, идейно связал ролик с существующим проектом «stories» , написал музыку и дал имя в честь древнегреческого бога Зевса. В данном ролике мне было важно не только понять, что такое видео-арт изнутри, но и попытаться в концептуальном ключе, с помощью музыки, текста и lo-fi кадров, рассказать настоящую историю с завязкой-кульминацией и развязкой, опираясь на идеи, изложенные в проекте «stories». Это было, наверное, самым важным для меня в этом эксперименте. Что получится с моими экспериментами в видео-арте - не берусь предсказать: возможно, будут появляться новые ролики, а возможно и нет. Мне также нравится нет-арт, есть несколько любимых художников, но еще больше мне нравится, когда эти нет-арт художники начинают выходить за рамки интернет-пространства и создавать работы на холстах или инсталляции. Это всегда очень интересно. Но связывать себя с этим видом искусства пока не хочется - на данный момент мне нечего сказать в нет-арте. 

Ваши произведения постепенно усложняются с концептуальной точки зрения, и есть большая разница между тем, что вы создавали несколько лет назад и в последнее время. На мой взгляд, это является признаком большого и перспективного будущего. Какие темы вас занимают сейчас как художника? На чем хотите сконцентрировать внимание?

Вы правильно отметили вектор моего развития. Мне хочется выйти за рамки того, что я делал. Но при этом хочется сохранить свой стиль и отношение к искусству. Это очень важный момент. Мне хочется сделать свое творчество более материальным, осязаемым, чтобы каждый мог лучше почувствовать настроение, понять идею, уловить незаметные символы и перемещения. Хочется наполнить каждую работу смыслом, который, раскрываясь, иначе представит старое и уже хорошо понятное зрителю. Таким творчеством мне и хочется сейчас заниматься. Лучшими примерами подобного подхода являются работы из серии «Kan» – в них можно прочитать всю вложенную мной идею, начиная от названий произведений и заканчивая мазками краски. Особенно мне хочется выделить работы, посвященные великим иконописцам – Симону Ушакову, Феофану Греку и Андрею Рублеву. Видоизменяя изображения икон, а если быть точнее, центральных, на мой взгляд, их частей, я пытался рассказать общеизвестные христианские истории в новом ключе, стараясь подчеркнуть их современность и актуальность выдержками из любимых песен и символами, которые позволяют лучше понять значение данных историй в нашем мире (цифры, слова, цвета и мазки красок). Немаловажную роль играет и то, что данные работы были выполнены на бумаге большого формата и многие элементы были напечатаны – данный материал и способ, на мой взгляд, отсылают к практике печатания Библий и иных священных книг, ведь развитие книгопечатания является одним из катализаторов активного распространения религии и просвещения в мировой истории. Также в этой серии работ можно увидеть отсылки и к античному миру: измененные изображения статуй, бюстов, тексты, символы и так далее.  Все это вкупе, на мой взгляд, позволяет лучше понять этот мир с разных сторон, не забывая о наследии прошлых поколений. 

Расскажите о процессе создания работы, о чем вы размышляете? Есть ли какая-то общая для вашего творчества мысль, которую вы стремитесь донести до зрителя?

Это очень сложный вопрос, потому что на создание работы или серии работ, я трачу довольно много времени и размышляю о многом. 90% времени уходит на то, чтобы понять, что именно я хочу получить в итоге. Это больше мыслительный процесс, нежели творческий. Я изучаю работы других художников (преимущественно художников, занимающихся современных искусством), читаю нужную для работы литературу и все время в уме представляю, что должна нести в себе работа или серия. Я никогда не делаю эскизов, пометок или зарисовок – это не мое. Все находится в уме – мне важно внутренне понять свое творчество. И когда все части сходятся воедино - я просто сажусь и начинаю работать. И так почти каждый день. Главное понять идею и то, как я хочу ее выразить. Основной или, скажем, главенствующей мысли, на мой взгляд, нет. Хотя, наверное, кто-то и может ее найти - любопытно узнать.

Большинство работ существуют как серии. Почему вы выбрали такой способ организации произведений?

Во-первых, это просто удобно, а во-вторых, это лучший способ передачи всего, что я хочу выразить. В процессе работы получается очень много материала, что иногда приводит к тому, что одна серия может состоять почти полностью из триптихов, как случилось с проектом «stories». Все зависит от конкретной идеи. 

Есть ли у вас авторитеты, к чьему мнению вы прислушиваетесь?

На данный момент явных авторитетов в мире искусства для меня нет. 

Что для вас приоритетнее: форма или содержание? Образность или идейная составляющая?

По моему мнению, важнее содержание, нежели форма. С формой можно играть, а вот с содержанием – не всегда получается. Одно и то же произведение можно представить в разных формах или форматах (если говорить, думая о современном мире). А вот образность и идейная составляющая лично для меня одинаково важны. В моем понимании идея всегда связана с конкретным образом, который можно наполнить нужным содержанием, а потом, в различных формах, представить на суд зрителя.  Очень хочется сейчас поиграть с формами и форматами для тех работ, которые уже есть – они будут прекрасно смотреться как в традиционном виде, так и в цифровом. 

Какие у вас творческие планы на будущее?

В ближайшем будущем хочется развить те идеи, которые уже воплощены в работах, и попытаться выставить серии работ в хороших местах – сейчас я работаю над этим. Также активно создается довольно простая серия «abc» - абстрактные digital art изображения на бумаге, которые либо остаются в цифровом виде, либо печатаются и затем разрисовываются восковыми  мелками. Названия работ в данной серии отсылают к словам, набранным во время работы на неправильной раскладке клавиатуры, а содержание – к простому, но в то же время сложному симбиозу цифрового и традиционного абстрактного искусства. 

Увидеть больше: 

TUMBLR

Узнавала о глитч-арте: 

Оксана Чвякина

 

Share
Наверх